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2/Oct/2008 - Por Sergio Roma |
| Los Limoneros |
 Los Limoneros
Director: Eran Riklis
Intérpretes: Ali Suliman (Ziad) / Tarik Kopty (Abu Hassam) / Hiam Abbass (Selma Zidane) / Doron Tavory (Navon) / Amos Lavi (Comandante Jacob) / Smadar Jaaron (Tamar Gera) / Amnon Wolf (Leibowitz)
Duración: 106 minutos
Sinopsis: Selma, una viuda palestina, decide librar una batalla contra el ministro de Defensa de Israel, cuya casa linda con su campo de limoneros, en la frontera entre Israel y los Territorios Ocupados.
La policía no tarda en decretar que los árboles de [...]
Género: Drama
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Estreno en España: 3 de Octubre de 2008
CRÍTICA
Acido retrato de una complicada convivencia (3/5)
Como casi todas las películas que afrontan o intentan afrontar un proyecto cinematográfico acerca de un conflicto de gran envergadura, “Los limoneros” pretende encontrar un camino donde poder llegar a un entendimiento más o menos objetivo del problema que trata y de las consecuencias que genera.
Aunque la película gira en torno al conflicto israelí-palestino, la historia se centra en un caso anecdótico concreto, de poca repercusión internacional –a priori- pero de gran trascendencia para los afectados, como es la expropiación o no de una plantación de limoneros en una zona de alta seguridad para un ministro israelí. Ello dará paso a toda una serie de consecuencias que, con el telón de fondo de los complicados entresijos políticos y administrativos de la zona, serán de relativa importancia para adentrarnos en un modo de vida poco conocido y en una convivencia ardua y compleja.
(Más imágenes en su galería)
Aunque el novel realizador Eran Riklis prescinde de una excesiva carga de profundidad a la hora de mostrar la vida en Jerusalen, ello no le resta importancia a su carácter político y sobre todo social que la película conlleva y cada caso anecdótico sirve para resaltar algún aspecto concreto de una vida que no por ser cotidiana adquiere valores importantes. Riklis ejerce su particular crítica tanto de la supremacía de Israel en algunos aspectos y la consecuente humillación al pueblo palestino, como del pensamiento musulmán y su fuerte presión hacia la mujer. Lo primero lo logra a través de todo un entramado policial y militar, además de judicial, y de los personajes del Ministro (Doron Tavory) y su nada indiferente mujer (Rona Lipaz-Michael) en un papel realmente bueno que plasma la perplejidad y asombro que cualquiera puede sentir hacia la sinrazón y la injusticia. Lo segundo lo consigue a través de la hábil maniobra de hilvanar una relación de amor entre el abogado (Ali Suliman) y la protagonista de la historia, una conmovedora Hiam Abass, (la que más experiencia aportaba en el cine y la que consigue sobrellevar todo el peso de la película con una naturalidad y maestría sorprendentes), enfocando de esta forma la atención hacia el trato que la mujer musulmana recibe por parte de su propio pueblo y la poca capacidad de decisión que tiene en cuestiones tan humanas como el amor.
A su vez, Riklis aprovecha para poner en tela de juicio el papel de los medios de comunicación y sobre todo el poder que contienen, capaces de influir en decisiones y en ámbitos tan importantes como la justicia.
Las imágenes son por lo general frías, sobrias, en un intento por mostrar la realidad con la intensidad suficiente para provocar el efectismo necesario, que pueda reflejar una situación que sin ser real pudiera haber sucedido perfectamente, o simplemente puede suceder en un futuro.
“Los limoneros”, viaja humildemente tras la estela de grandes films como “Paradise Now” o el documental “Promises “ sin perder en ningún momento el norte. Sin la grandeza sin embargo de aquellas pero con corrección y encanto, adquiriendo en cada tramo más y más autenticidad, hasta convertirse en una ventana desde la que observar un mundo que no por ser un tanto lejano y desconocido en muchas ocasiones, deja de tener trascendencia en un plano tanto político como social.
sergio_roma00@yahoo.es |
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2/Oct/2008 - Por Sergio Roma |
| Reflejos (2008) |
 Reflejos (2008)
Director: Alexandre Aja
Intérpretes: Kiefer Sutherland (Ben Carson) / Paula Patton (Amy Carson) / Cameron Boyce (Michael Carson) / Erica Gluck (Daisy Carson) / Amy Smart (Angela Carson) / Mary Beth Peil (Anna Esseker) / John Shrapnel (Lorenzo Sapelli) / Jason Flemyng (Larry Byrne) / Julian Glover (Robert Esseker) / Josh Cole (Gary Lewis) / Ezra Buzzington (Terrence Berry)
Sinopsis: Un guardia de seguridad de un centro comercial se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa que aparentemente hacen que saque lo peor de las personas que se reflejan en ellos... [...]
Género: Terror
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Estreno en España: 3 de Octubre de 2008
CRÍTICA
Aburridos espejos en busca de un reflejo (1/5)
Resulta ciertamente perezoso comentar una película desde el momento en que la historia es archiconocida y exprimida hasta la saciedad, sin que encontremos en ningún momento algún rasgo diferencial o algo destacable que pueda distanciarse de sus numerosas predecesoras.
La historia es tan reconocible como el típico policía que deja el Cuerpo para terminar siendo vigilante de Seguridad en un Centro Comercial que se quemó hace tiempo, y lo único que queda son los espejos. Los protagonistas (dichos espejos) no contienen la categoría de elemento aterrador en ningún caso y lo que promete ser un aluvión de escenas terroríficas y sobresaltos varios, se transforma en una monótona sucesión de clichés mal elaborados y peor reconducidos por quién debiera dominar este campo aunque sólo sea en su plano más comercial.
Alexandre Aja fracasa desde la elaboración del guión hasta la forma en que lo desarrolla, convirtiendo su largo metraje en una aburrida sucesión de escenas sin excesivos momentos de género.
(Más imágenes en su galería)
Ni siquiera la presencia de Kiefer Sutherland puede levantar este trabajo y se contagia del clima general de la película, mostrando una interpretación excesivamente plana que en ningún caso proporciona la fuerza necesaria para crear una tensión adecuada más allá de esporádicos ataques de ansiedad. Aún así, es de lo poco salvable en este naufragio donde sólo se refleja el poco acierto a la hora de crear un producto meramente aterrador.
Sin miedo, ni sobresaltos destacables ni un giro inteligente en el guión original, uno se pregunta para qué un remake de la coreana “Into de mirrors”. Un “para qué”, que muchas veces debiera prevalecer antes de emprender un proyecto que necesita de un mínimo de elementos esenciales para convencer a un público en ocasiones exigente con este maravilloso género.
Si “Las colinas tienen ojos” supuso un paso hacia adelante y una buena aceptación general, “Reflejos” supone un paso hacia atrás, en un director que se va especializando en dicho género, pese a que en esta ocasión no se vea dicha especialización reflejada con maestría en ningún momento.
sergio_roma00@yahoo.es |
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2/Oct/2008 - Por Sergio Roma |
| Sangre de Mayo |
 Sangre de Mayo
Director: José Luis Garci
Intérpretes: Lucía Jiménez (Plata) / Natalia Millán (Anastasia) / Manuel Galiana (Don Celestino) / Quim Gutiérrez (Gabriel Araceli) / Paula Echevarria (Inés) / Carlos Larrañaga (Isidoro) / Fernando Guillén Cuervo (Regente de imprenta) / Miguel Rellán (Mauro Requejo) / Enrique Villén (Paco) / Ramón Langa (Juan de Maraña) / María Kosty (Doña Pepita) / Tina Sáinz (Restituta) / Jorge Roelas (Lopito)
Duración: 152 minutos
Sinopsis: El joven Gabriel Araceli trabaja de cajista en una modesta imprenta de Madrid. Su novia, Inés, es una guapa chica huérfana que vive en Aranjuez, acogida por su tío, don Celestino Santos del Malvar, humilde sacerdote pariente lejano del poderoso ministro [...]
Género: Drama
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Estreno en España: 3 de Octubre de 2008
CRÍTICA
Cuando el pueblo madrileño se levantó en armas (3/5)
Al observar los detalles y prolegómenos que anteceden a esta película, que la transforman en un proyecto de encargo, resulta complicado evadirse y comentarla sin sentir cierto rechazo ante una posible intromisión estamental. Confiando en la independencia de un director de la talla de Jose Luis Garci, podemos suponer que ha trabajado en este proyecto con la suficiente libertad como para poder plasmar su talento en un trascendental episodio de la historia de nuestro país.
Decir que el pueblo madrileño se levantó en armas es una exageración por esto último: por las armas, puesto que piedras, cuchillos y palos fue lo que se utilizó para intentar acabar con el ejército invasor de las tropas de Napoleón. Es esto sin duda lo que le otorga al episodio, y en definitiva a la película que nos ocupa un carácter épico muy atractivo y singular que ha sido llevado a la literatura en innumerables ocasiones pero no tantas al cine. Y ha sido Jose Luis Garci, por elección expresa de la Presidenta de la Comunidad de Madrid, el encargado de poner el broche final a los actos del Bicentenario 2 de Mayo, realizando una película sobre aquellos acontecimientos. Para ello ha contado con un “guionista” de lujo, como es Benito Pérez Galdós (escritor abiertamente admirado por Garci), y en concreto dos de sus “Episodios Nacionales” para llevar a cabo una visión épica de unos sucesos históricos, aunque en una adaptación libre de aquellos Episodios, cambiando por ejemplo el final de los personajes principales.
(Más imágenes en su galería)
Lo más destacable y sobresaliente de esta –libre-adaptación, es sin duda la ambientación de la época. Aquel Madrid del recién estrenado siglo XIX queda perfectamente plasmada a través de unos majestuosos decorados, un vestuario fascinante y por supuesto unos personajes perfectamente representados; desde la más baja humildad de las gentes de a pie, hasta la alta aristocracia; todos con sus vicisitudes, problemas y en definitiva vidas cotidianas que se verán alteradas por la progresiva inclusión de un ejército extranjero por el que no sienten excesiva afinidad. Es en el plano mundano donde precisamente destacan los personajes en su más alta plenitud, especialmente Gabriel Araceli, interpretado de manera soberbia por un joven y talentoso Quim Gutiérrez, que se hace cargo de todo el peso de la película con una maestría impropia de su corta experiencia y con un papel que brilla con luz propia en cada escena, en una época escasa de luces y repleta de sombras. A su lado su amada Inés, en un discreto trabajo de Paula Exebarría y su amigo Paco interpretado por un Enrique Villén en un buen momento, completan a grosso modo un triángulo que reflejará el conjunto de una sociedad que vivía a expensas de un futuro poco esperanzador. No obstante, no podemos olvidad a Lucía Jiménez que vuelve a ser revolucionaria (después de su buen papel en “Silencio Roto”) y consigue además transmitirlo, ni al bonachón de Don Celestino (Manuel Galiana) y su papel de mediador. Igualmente destacable es la aportación de Carlos Larrañaga en un papel que le viene como anillo al dedo y de Miguel Rellán siempre tan genial en sus innumerables papeles.
Con todo este elenco de personajes y actores, unido al trabajo técnico, era difícil no lograr una buena ambientación, que además se ve favorecida por un cuidado guión que mantiene con cierta regularidad un hilo argumental interesante y ameno. Sin embargo, los momentos épicos y emocionantes, aunque buscados, no resultan tan positivos, y da la impresión que falta algo para que la película termine de ser redonda y consiga trasmitir la grandeza de un momento histórico que fue fundamental en el devenir de un pueblo harto de intrusiones ajenas.
La mano de Garci es palpable (positivamente) en numerosos aspectos y supone un paso más en su brillante carrera, en una película en la que vuelve a mostrar su gusto literario y su pasión por ilustrar las letras de los grandes literatos, especialmente Galdós.
Nos encontramos ante un film épico narrado con sencillez, experiencia y ligeras dosis de acción que completan una cinta entretenida y especialmente recomendable para conocer y disfrutar de uno de los episodios más importantes de nuestra historia.
sergio_roma00@yahoo.es
RUEDA DE PRENSA
- Jose Luis, siempre afirmas que trabajas con bastante libertad, quería preguntarte si en este caso has trabajado con la misma libertad a pesar de que la película está producida por la Comunidad de Madrid, y si Esperanza Aguirre ha visto la película.
He trabajado con más libertad que nunca, creo que Esperanza Aguirre no ha visto ni siquiera la película entonces desde el momento en el que se autorizó el guión hasta hoy, yo no he tenido ninguna intromisión, no sólo de ella sino de la Comisión del Bicentenario 2 de Mayo, etc. Además como el montaje lo he hecho yo, he tomado las decisiones y he tenido la misma libertad que con cualquier otra película.
- ¿Por qué ha decidido ese largometraje?
Bueno, teniendo en cuenta que la base eran dos episodios de Galdós, es mucho material, de cerca de cuatro horas, y de esas cuatro horas se ha quitado alrededor de hora y media. Ese es el material que había y es el que ha dado la medida del metraje.
-Cuando te encargaron el proyecto como te lo tomaste
Bueno, yo no estoy muy puesto en esto de los encargos, supongo que cuando alguien te llama es porque confía en ti para hacer el trabajo, supongo que cuando Barcelona eligió a Carlos Saura para hacer la película de la Olimpiada confiaron en que hiciese lo mejor y más bonito. Pues cuando a mi me llamaron, ya se estaban preparando los acontecimientos del Bicentenario y faltaba el cine, y me preguntaron si yo podría hacerlo y yo contesté que siempre y cuando utilizáramos a Galdós se podría llevar a cabo, y me pidieron que presentase un trabajo, se presentó, autorizó y a partir de ahí, pues con los retrasos típicos (se tendría que haber estrenado el 2 de Mayo), pero eso fue lo que pasó. Yo estaré eternamente agradecido a Esperanza Aguirre por que fuera a mí a quién encargara el proyecto y lo que no supo es que cumplía dos sueños míos.
-¿Cómo ha sido la adaptación de la obra de Galdós?
Soy muy vago para explicar las películas en las que intervengo, me cuesta trabajo. He sentido desde niño una admiración absoluta sobre Galdós, me ha parecido muy cercano. Me impactaron mucho de adolescente “Los episodios nacionales”, aún sin entender el punto de vista social de Galdós. Para mí leer Galdós es meterse en una máquina del tiempo. La adaptación ha sido absolutamente libre, porque Galdós permite eso. Tiene un aire épico al igual que lo podría tener “Guerra y Paz” de Tolstoi.
Es uno de los grandes gigantes de la literatura, y con Quevedo y Baroja comparte el medallero literario español. Fortunata y Jacinta es la gran obra.
-¿ Qué crees que diría Galdós sobre la película y qué le dirías tu a Galdós?
Me hubiera gustado mucho conocer a Galdós porque estaríamos hablando por los codos de películas, creo que hubiera sido un gran cinéfilo. Alguien con quien entusiasmarse con el cine.
-A las actrices ¿qué os ha parecido el vestuario y cómo os habéis sentido?
Paula Exebarría- Me sentí bastante cómoda e incluso me ayudó para meterme en la piel del personaje.
Tina Sainz- La verdad es que me sentía enfundada y a la vez infundida porque me permitió dar un punto de vista como quería de Restituta, pero es un acierto el vestuario de esta película como la ambientación como tantas otras cosas
Lucía Jiménez- En mi caso, no es el vestuario más cómodo del mundo pero es el que hay que llevar y ayudó a que surgiesen momentos mágicos, junto al decorado, lo que lo convierte en un placer.
- Jose Luis, ¿nos puedes explicar el final, los créditos de la película con imágenes del Madrid actual?
Eso estaba en el primer borrador del guión, es como la resurrección ¿no? No es nada original, así lo acaba Spielberg o Eastwood en alguna de sus películas y la historia de sacrificios, de héroes es como un homenaje. Tenía la duda de ponerlo al principio o al final, pero estaba desde el primer momento, no sé si estará bien o no, pero ahí ha quedado
- Hay una paradoja del 2 de mayo de la lucha por la independencia y una contradicción
La gente luchaba por una evolución económica de la cultura, etc no solo madrileños sino la gente que vivía en Madrid, se revelaron con cuchillos y sin consigna política, dijeron hasta aquí hemos llegado. Fue tremendo, murieron muchos, el ejercito tenía orden de no intervenir. Si hubiera tenido más presupuesto (costó 15 millones de euros) hubiese incluido la parte en la que una parte del ejercito proclama que es una ley cobarde la de intervenir y se alzan en armas, que fue muy épico, pero para eso no teníamos.
-¿Cómo ha sido la experiencia de rodar con ese presupuesto elevado?
Para mí ha sido una oportunidad única, un tren que sólo pasa una vez en la vida, no ha sido tanto dinero como “Los fantasmas de Goya” o Alatriste (30 millones) pero ha sido considerable. La mayor parte del presupuesto (60%) se lo han llevado los decorados, entonces no había más posibilidad, todo está en función de lo que hay.
Y 30 años después he descubierto que una película la hace todo un equipo, hay que utilizar un lenguaje como en el boxeo utiliza el manager: en plural.
-¿Has hecho la película con la que soñabas?
Bueno, Galdós era un dibujante estupendo, y creo que él buscaba que los episodios fuesen ilustrados. Pues ojalá que se acerque a lo que él buscaba.
-Hay muchos cuadros y ambientaciones
Si claro, hay grabados de Goya. La ambientación ha sido difícil, pero yo ya tenía experiencia en ello, meter muebles de época, decorados, vestuario, etc. Gil Parrondo con el que he trabajado mucho tiempo ha hecho un buen trabajo.
-¿Cómo fue rodar la escena de los fusilamientos?
En esa escena, los personajes principales son los que acaban en el cuadro de Goya, que pintó cinco años después.
-¿Cómo surgió contar con Quim Gutierrez?
A Quim le vi en “Azul oscuro, casi negro” y me gustó. Jamás he hecho un casting, le llamé a ver como era físicamente y me pareció perfecto además la cara suya tiene un cierto toque francés que le va muy bien al personaje, y además es una decisión acertada porque con 25 años lleva el peso de la película, y eso solo lo puede hacer gente como la que ha fallecido hace poco (Paul Newman).
Me parece humillante lo de los castings, creo que en el oficio del director entra el conocer a los actores de tu país.
Quim Gutierrez. Para mí la experiencia con Jose ha sido muy satisfactoria, me sentí muy cómodo con él, y aunque iba con ideas preconcebidas, me sorprendió la cercanía y familiaridad. He aprendido muchísimo, y cuando sentí cierto miedo o presión el calor de toda esta generación de actores me ha ayudado mucho, he estado muy bien acompañado y quería agradecerlo a todos.
- ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en este proyecto para el resto de actores?
Miguel Rellán. Siempre pienso cuando me dan un personaje que se han equivocado y no es para mí, y cuando Jose Luis me ofrece un personaje tiendo a pensar en eso, pero el puñetero me conoce y sabe que me pondré a ello, encontrar una combinación de actor listo y director listo, y lo que hay que hacer es trabajar, hablar y compartir.
Carlos Larrañaga. Ya he trabajado con Jose Luis, y es trabajar con una maestro que te tutea, es amigo tuyo, maestro y lo pasas muy bien, y como hace unos repartos estupendos, aparte de pasarlo bien aprendes y además te dan premios, y eso está muy bien.
Enrique Villén. Llevo 4 películas con Jose Luis; es un lujo, le gusta estar con los actores mucho tiempo, pasamos muchas horas en la mesa de lectura, trabaja con los personajes al unísono. Yo me siento un instrumento y él es la orquesta y estoy muy agradecido y seguiré aprendiendo porque esto no acaba nunca.
Fernando Guillén Cuervo. Yo también soy repetidor con Jose Luis, y quiero resaltar aparte de lo que han comentado mis compañeros, el enorme respeto desde el punto de vista narrativo como director; hay un momento en el que Jose Luis desparece como director y deja paso al actor, una visión quizás clasicista, donde desaparece la cámara y aparece el actor. Es un acto de humildad como director, un respeto, amor y casi mitomanía al actor que a nosotros nos llena de orgullo y cariño. No somos un simple peón en la película.
Miguel Rellán. Un añadido: nunca dice acción y eso también es respeto hacia el actor.
- ¿ Que introduce la posible versión a la TV?
No lo sé todavía, pero hay material para aproximadamente 4 horas que ya se verá como se divide Pero hablamos de un plazo de 2 años.
-¿Cómo has reaccionado al no verse esta película seleccionada para los Oscar?
Me gustan los premios, las criticas maravillosas, etc , pero no siempre puede ser. He sido seleccionado 7 veces, de las cuales 4 he sido nominado. Eso está muy bien.
En cualquier caso ninguna de las películas seleccionadas refleja el cine español actual, el cine nuevo es otra generación, la del cómic, pero cómic nuevo, y es una generación que está rodando fuera de España que está ahí y lo está haciendo bien. No representa el momento actual del cine los pre-seleccionados para ir a los Oscar.
- Quedan los Goya ¿no?
Mira cuando empiezas eres tan presumido que trabajas para la posteridad, después terminas trabajando para la prosperidad y cuando llegas a mi edad trabajas para hacer otra película que es lo que realmente te gusta y te llena. Ahora es lo más importante.
sergio_roma00@yahoo.es |
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2/Oct/2008 - Por Sergio Roma |
| Tiro en la Cabeza |
 Tiro en la Cabeza
Director: Jaime Rosales
Intérpretes: Ion Arretxe (Ion) / Diego Gutiérrez (Guardia Civil Maqueda) / Ana Vila (Susana) / Jaione Otxone (Garbiñe) / Iñigo Royo (Lara)
Duración: 84 minutos
Sinopsis: La película se inspira en un atentado terrorista cometido el 2 de Diciembre de 2007, en el cual dos guardias civiles, Fernando Trapero y Raúl Centeno, fueron asesinados por tres etarras en una cafetería en Capbreton, en el sur de Francia [...]
Género: Drama
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Estreno en España: 3 de Octubre de 2008
CRÍTICA
Cuando la imagen supera a las palabras (3/5)
Que una película que trata sobre el terrorismo destaque en un primer momento por su forma más que por su fondo ya le otorga un punto singular e innovador a dicha película. Si además de eso, cuenta con actores no profesionales y poco conocidos estamos hablando definitivamente de una película definitivamente novedosa, especialmente para los que todavía no se han adentrado en el sincero y fascinante cine de Jaime Rosales.
(Más imágenes en su galería)
“Tiro en la cabeza” nos relata el terrible suceso que hace relativamente poco tiempo conmocionaba al país, con el asesinato de dos guardia civiles en la frontera de Francia por parte de ETA. Pero es la manera de relatarlo lo que le otorga a esta película un valor añadido y una oportunidad para profundizar en un cine muy diferente al que estamos acostumbrados. Jaime Rosales se enfrenta al reto de romper con la pereza de un espectador medio que sabiendo que estamos ante una película sin diálogos le cueste sentarse a dar una oportunidad a este trabajo.
La ausencia de diálogos pudiera resultar en principio una barrera de difícil traspaso, pero finalmente se convierte en un ejercicio estimulante, que nos devuelve a ciertos aspectos mágicos de aquel cine mudo de Murnau, Lang o el mismo Chaplin pero desde una perspectiva contemporánea. Rosales apuesta por el silencio, y el lenguaje gesticular para transmitir emociones e ir desarrollando una trama que se presenta como cotidiana y acaba siendo de una violencia impactante. El director nos muestra algo que en el fondo todos intuimos pero que cuesta creer: que tras un terrorista existe una personal “normal”, con sus fracasos, miserias, amistades, familia y momentos cotidianos reconocibles por todos. Esto será quizás lo que más polémica generará en torno a la película. Los diálogos, si se escuchasen, serían de lo más intrascendente. Por ello, no se puede hablar de que no encontremos ante una película de sentimientos, sino más bien de realidades auténticas y de momentos usuales dentro de un macabro marco de sinrazón y violencia.
Rosales además nos presenta las escenas desde una perspectiva lejana, con lentes de larga focal, lo que permite pasar desapercibido al equipo y a los actores rodar con la naturalidad que en ellos es habitual para conseguir un efecto de hiper realismo con el que ya nos desbordara también en su anterior y premiado trabajo “La soledad”. De esta manera, el espectador se siente como un voyeur en numerosos momentos de la película, y por tanto con la capacidad de sacar conclusiones y de sentirse partícipe de la misma, en una elipsis narrativa que permite rellenar numerosos huecos a la hora de intentar una interpretación particular y sui generis de lo que está sucediendo.
La película además contiene discretas metáforas tanto en las escenas más intensas como en las aparentemente menos trascendentes como la exposición de carteles publicitarios en momentos puntuales como crítica a la también violenta política capitalista que nos aborda en la actual sociedad, donde la publicidad ha tomado la palabra y pretende confundir las conciencias.
Ion Arretxe, que ya había trabajado con Rosales como director de arte, lo cuál vuelve a hacer en esta película, realiza su primer trabajo interpretativo, y lo solventa con acierto, metiéndose en la piel de un terrorista de manera extremadamente creíble como ya hiciera también Carmelo Gómez en “Días contados”. Ion le otorga al personaje la naturalidad necesaria para que puede ir evolucionando sin apenas sobresaltos, ni giros interpretativos reseñables ni criticables.
La película, cuasi experimental y valiente se sostiene con aparente fuerza pese a que en momentos pierda -lógicamente- intensidad, y permite un final que aunque conocido no deja de sorprender y conmover a partes iguales.
Ajeno a interpretaciones de uno u otro espectro político, Rosales simplemente ha querido mostrar una realidad ampliamente conocida y de alguna forma poner un pequeño grano de arena en la resolución de un conflicto que debe llevar inevitablemente a una paz tan placentera como la que presenta el director en la primera escena, con un mar aparentemente tranquilo, con tan sólo alguna pequeña y turbulenta ola en el fondo.
sergio_roma00@yahoo.es |
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1/Oct/2008 - Por Sergio Roma |
| Batalla en Seattle |
 Batalla en Seattle
Director: Stuart Townsend
Intérpretes: Charlize Theron (Ella) / Woody Harrelson (Dale) / Ray Liotta (Jim Tobin) / Ivana Milicevic (Carla) / Michelle Rodriguez (Lou) / Rade Serbedzija (Dr. Maric) / Andre Benjamin (Django) / Joshua Jackson (Randall) / Connie Nielsen (Jean) / Channing Tatum (Johnson) / Martin Henderson (Jay)
Duración: 100 minutos
Sinopsis: Basada en una de las más incendiarias sublevaciones políticas generacionales, Batalla en Seattle aborda con mirada profunda los cinco días que hicieron tambalear el mundo en 1999, cuando decenas de miles de manifestantes tomaron por asalto la calle en protesta contra [...]
Género: Acción/Drama
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Estreno en España: 3 de Octubre de 2008
CRÍTICA
“Si les dejamos, se llevarán todo lo bello” (3/5)
Abordar una película sobre un tema tan incómodo para los altos estamentos como los movimientos sociales contra los grandes Imperios contemporáneos, supone un mínimo de valentía, ciertas dosis de talento para escenificarlo y una cámara sumamente objetiva que impida implicarse lo menos posible. El joven realizador irlandés Stuart Townsend logra un aprobado alto en este desempeño, a base de mucho descaro, algo de imaginación y ligero oportunismo con viento a favor, en lo que es su atrevida y acelerada ópera prima.
El esquema narrativo no es novedoso: hecho histórico que se desarrolla a través de personajes muy concretos intentando conseguir un conjunto con cierta credibilidad. La novedad radica probablemente en la historia en sí, donde la batalla se lleva a cabo en una ciudad emblemática de EEUU como es Seattle y por dos bandos muy antagónicos. Por un lado manifestantes pacíficos en contra de las reuniones de la Organización Mundial del Comercio y por otro lado el poderoso Imperio que respalda dicha Organización, con la policía anti disturbios como peón ejecutor en una batalla excesivamente desigual.
(Más imágenes en su galería)
El gran acierto de esta película lo encontramos en la especial habilidad que supone describir un hecho histórico reciente dotándole de los elementos necesarios para conseguir un semi documental en algunos momentos, enriquecido además con imágenes reales que aportan mayor fuerza al cometido, y enlazadas acertadamente con la ficción, creando un enérgico clima de autenticidad que a su vez le aporta trascendencia a lo que va sucediendo a lo largo de toda la trepidante película. La tensión –necesaria- se sostiene con fluidez en una batalla que contiene muchas más connotaciones y matices que la mera lucha física pudiera ofrecer, escenas violentas que por otra parte están sobriamente logradas.
Sin embargo “Batalla en Seattle” flojea en otros aspectos menos importantes pero destacables, como puede ser el tratamiento de algunos personajes, que si bien en el lado manifestante se acierta tanto con la elección de los actores (sensacionales tanto Martin Henderson como Michelle Rodríguez) no sucede lo mismo con los personajes del policía y su mujer, donde Woody Harrelson y Charlize Theron no consiguen el grado de veracidad necesaria para el discurrir del relato, y pese a que sus interpretaciones son aceptables, sus personajes resultan poco convincentes. Aunque sin duda, el personaje de la periodista que va sintiendo afinidad con la lucha pacífica llega a un grado de esperpento que desentona con el clima general del film. Algo mejor encontramos en cambio a Ray Liotta en un papel de alcalde sufridor y con todas las papeletas de perder su batalla personal.
Nunca están de más películas de este tipo, que abordan temas importantes, que pueden generar debates o quizás despertar conciencias, y más cuando se elaboran con la necesaria precisión y habilidad para conseguir que en algún momento del transcurso de esta historia, haya espacio para situaciones emocionantes, como el momento en el que Lou le comenta a Jay la razón de continuar con la lucha pese a los fracasos y las decepciones: “Si les dejamos, se llevarán todo lo bello”. Frase que resume perfectamente el espíritu que rodea a toda la película, y la sinceridad con la que se emprende el proyecto.
sergio_roma00@yahoo.es |
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